sábado, 15 de marzo de 2014

Mario Testino en el Malba: sexo, vulgaridad y hombres con taco

Mario Testino es usualmente reconocido como uno de los fotógrafos más relevantes de la escena de la moda mundial. Trabajó para Vogue, Vanity Fair y Harper's Bazaar -  aunque él siempre aclare con cierto orgullo impostado que él es 'un hombre Vogue' - y ha fotografiado a celebs como Brad Pitt, Angelina Jolie, Madonna (entre muchísimos otros) y hasta inmortalizó a Lady Di como una mujer amigable, en la sesión de fotos que hizo para Vanity Fair en 1997.

El jueves 13 de marzo, el Malba abrió a la mañana exclusivamente para la prensa. La idea era recorrer la muestra In Your Face - una selección de 122 fotos curadas por el mismo Testino - y presenciar la entrevista que Iván De Pineda le haría al fotógrafo peruano al mediodía. Alto, con pantalones blancos, camisa negra, saco del mismo color y zapatos oscuros de gamuza, Mario Testino se sentó en la silla que estaba sobre el escenario del auditorio del Malba y lo primero que hizo fue cerrar un ojo, apuntar con su cámara hacia nosotros y apretar el botón. Ese fue su modo de saludarnos: sacándonos una foto. 

La charla entre Testino y De Pineda fue amena, relajada, aunque se notaba que Iván tenía las preguntas estudiadas. Mario Testino habló, y mucho. Nos hizo reir varias veces. Recordó su infancia en Lima - "cuando era pequeño, Lima era muy conservadora, y yo no lo era, por eso me terminé yendo" -, reflexionó sobre el peso de ser peruano en un país europeo - "ser peruano en Londres no era lo más chic del mundo, pero a mí me encantaba serlo y con el tiempo definí mi estética en relación a eso" - y reconoció que cuando le ofrecieron fotografiar a Lady Di en 1997 para Vanity Fair, pensó que todo el asunto sería un problema.

¿Cómo es la mujer Testino? Recorriendo la muestra me di cuenta de algo que es muy evidente en sus fotos: la mujer que Testino fotografía es una mujer poderosa, con mirada provocadora y poses de líder. Pero este poder proviene de su sexualidad, no de su inteligencia o carácter. Es un poder tan embriagador que pone - literalmente - a los hombres de rodillas, como en esa foto de dudoso gusto que el peruano hizo para Gucci, donde se ve a una mujer parada y un hombre arrodillado le baja la ropa interior para descubrir un pubis depilado en forma de G. La insinuación rara vez entra dentro de su espectro estético.

¿Y qué pasa con los hombres? Testino los feminiza, si existe tal palabra. Sus fotos muestran hombres que se pintan los labios con rouge, hombres que se agachan para abrochar las tiras de sus sandalias con tacos altísimos, hombres peinados perfectamente con raya al medio, sin un pelo en la cara. Imposible olvidar el primer plano de una cola masculina - peluda y firme - con una bombacha rosa cola less. A Testino le gusta provocar, es irreverente y reconoce que le llevó tiempo darse cuenta que amaba la desnudez.

La estética Testino coquetea con la vulgaridad. Las fotos que ponen de manifiesto el buen vivir de algunas personas - yates, joyas, fiestas fastuosas, autos importados, el bling bling, perfumes - resaltan la vulgaridad que se esconde en el exhibicionismo, ese 'mostrar para ser' tan visto en la actualidad. Esta visión se podría tomar como un fiel reflejo de la época en la que vivimos, pero Testino intenta 'glamurizar' la cuestión, no criticarla.

Sus fotos pequeñas - en blanco y negro - me resultaron las más poderosas. Muchas desnudan la intimidad de las estrellas, esas personas que en el imaginario colectivo viven como extraterrestres. Testino lleva una camarita a todos lados, lo que quiere decir que puede fotografiar a quien sea en cualquier momento. Así vemos a una Anna Wintour sin lentes oscuros y sonriendo, a Donatella Versace con aires de capa de la mafia junto a Mariah Carey y Beyoncé, a un salvaje y joven Alexander McQueen de fiesta o una Rihanna a cara lavada.

En fin, In Your Face es una muestra que vale la pena visitar. Algunas fotos impactan por el gran tamaño y por sus personajes, y otras, por el mensaje que comunican. Una cosa queda en claro: las fotografías de Mario Testino generan reacciones encontradas. Repugnancia, vergüenza, placer, excitación o curiosidad. Y ese es el objetivo de la fotografía: inmortalizar momentos que generen sentimientos.


Del 15 de marzo al 16 de junio de 2014
Mario Testino: In Your Face Sala 5 (2º piso)
Malba (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires)
Avenida Figueroa Alcorta 3415, Buenos Aires, Argentina. 



Todas estas fotos están incluidas en la muestra In Your Face


Donatella Versace y una pose mafiosa. Milán, 2002.



Anna Wintour también sonríe. 


Alexander McQueen, 1999. 


El hombre femenino.


Una más.



El hombre arrodillado por el poder sexual de la mujer, a quien no hace falta conocerle la cara.



Los colores de Perú.  


El exhibicionismo vulgar. 


Sexo y consumismo.


El poder en la mujer se ve como un arma sexual.  





viernes, 7 de marzo de 2014

Las carteras que nada ocultan, by Lorena Sosa

Descubrir nuevos diseñadores es para mí una de las virtudes que tiene mi profesión. Escuché hablar de la tucumana Lorena Sosa por primera vez cuando se dieron a conocer los nombres de quienes expondrían sus trabajos en el International Fashion Showcase durante London Fashion Week en representación de la Argentina. La busqué, indagué sobre su trabajo, y en menos de diez minutos me dí cuenta de que lo que ella hace es realmente distinto.

Fue su colección limitada de carteras la que me hizo llegar a esa conclusión. Bajo el nombre 'Nada que ocultar', Lorena presentó una serie de carteras transparentes hechas con alpaca calada a mano y acrílico cortado con láser. El proceso de armado es complejo, rasgo que se evidencia en el producto terminado. Sosa logra crear carteras de calidad y originalidad, características que las hacen resaltar del resto. La entrevisté para saber más sobre ella y su trabajo.

¿Cómo nace la idea de esta colección de carteras transparentes?

Esta es mi primera colección de carteras. Desde 2005 diseño indumentaria, luego en 2007 desarrollé tres líneas de joyería, una idea que nació desde la moldería de mis vestidos. La intención fue crear prendas pequeñas con la fuerza de una joya, integrando materiales que disparen infinitas posibilidades de conjugar una joya, con el textil como base. Las piezas de alpaca fueron trabajadas manualmente. En 2013 nació la inquietud de llevar esta idea a otros planos y así comenzaron las carteras. La colección 'Nada que ocultar' es parte de un circuito que logra conectar con las líneas de indumentaria y joyería para potenciarse juntas, y al mismo tiempo, ser independientes por su fuerza.

Las carteras tienen una fuerte impronta artística y están hechas de materiales poco usuales, ¿cómo fue el recibimiento de las clientas?

La impronta más destacable de estas carteras es el afán de lograr la perfecta comunión de materiales y técnicas alejadas entre sí: entre la alpaca calada a mano y el acrílico cortado láser. Estos materiales me permiten recrear y repensar la transmisión de ideas internas. La translucidez del acrílico evoca esa transparencia que es necesaria para mirar al otro. Las carteras lograron crear un gran impacto a los ojos de los compradores y buscadores de tendencia, sus morfologías, texturas y la misteriosa forma de convivencia de los materiales generan mucho interés en las clientas.

¿Dónde se consiguen las carteras? ¿Cuánto salen?

Por ahora las carteras se venden en showroom propio, a través de la web y diversos eventos. También hay pedidos de comercialización para afuera del país. El precio varía entre $ 750 y $5000.

¿Sentís que todo lo relacionado a moda y diseño está muy concentrado en Buenos Aires? ¿Te gustaría que fuese distinto? 

Todo este tiempo he aprendido a diseñar, producir y vivir desde Tucumán, mi provincia, lo cual siento mas ventajoso. En Buenos Aires el trabajo del interior es más valorado y las políticas de integración e industria han logrado que los calendarios tanto de Nación como de Provincia se encuentren alineados y coordinados para favorecer al sector y la industria del diseño. Independientemente de esto, hacer acuerdos y vender en otras provincias es posible gracias a las herramientas de comunicación, efectividad de las logísticas y el empeño y valoración del diseño.

¿Qué te dejó la experiencia de exhibir tu trabajo en London Fashion Week?

Sobrepasó mis expectativas. Es un país donde el diseño es altamente valorado y está instalado en el común denominador de la vida diaria, es parte de la realidad desde la funcionalidad, la calidad y la excelencia, entendiéndolo como una suma de virtudes fusionadas desde la ingeniería y el ingenio. El haber sido seleccionada para llegar, el recibimiento, la aceptación y el impacto que provocaron las piezas fue de lo más valioso y estimulante para seguir.











martes, 4 de marzo de 2014

Siete tonos de rojo en #Bafweek

Sigo encontrando al rojo en muchos de los desfiles de la última edición de Bafweek. Algunos tienen pigmentos anaranjados, otros se acercan al bordó y también los hay carmín.

No sólo Bolivia y Li Torres eligieron este color para el tapado masculino de paño (como mostré en el post anterior), sino que Vicki Otero, Nous Etudions, Garza Lobos, Bolivia para mujeres y Amores Trash Couture también apuestan al rojo como el color que rompe con la monotonía del negro. Aquí las fotos.

Nous Etudions



Vicki Otero


Amores Trash Couture


Garza Lobos




Bolivia para mujeres







domingo, 2 de marzo de 2014

De coincidencias e ironías en #Bafweek 2014

Desde el 20 hasta el 28 de febrero se presentaron en BAFWEEK - considerada la pasarela argentina más importante - las colecciones otoño/invierno 2014 de diseñadores emergentes y consagrados y de marcas comerciales. La cita era imperdible, tal es así que interrumpí mis vacaciones para cubrir el evento para la revista GQ Latinoamérica.

El 'sacrificio' valió la pena: descubrí a talentosos diseñadores a los cuales desde ahora seguiré de cerca - Fabián Li y Javier Torres de la marca Li Torres; Juan Hernández Daels - y comprobé una vez más la majestuosidad de Garza Lobos y la refrescante singularidad de Kostüme. Me alegró también ver el crecimiento de Andrea Urquizu en pasarela. "Los calados los hice con un bisturí", me confesó. Me pareció super jugado y original. 

Además, me entretuve encontrando coincidencias, diseños en común de diseñadores que nada tienen que ver entre sí y algunas ironías difíciles de digerir. 

1) Kosiuko presentó en la pasarela un mensaje amistoso en tres camisas estampadas que formaban la frase "Paz en la Tierra". Irónicamente, la semana pasada Kosiuko (y otras marcas como Portsaid y Como Quieres Que te Quiera) fue citado a indagatoria por trabajo esclavo, según informa en su sitio la Asamblea Popular y Cooperativa La Alameda. Kosiuko está acusado de haberse nutrido de trabajo esclavo entre el mes de junio del 2007 y el 3 de octubre de 2011. La Alameda informa que los talleres estaban conectados entre sí mediante un boquete en la pared simulado por un placard. También se los acusa de encerrar bajo llave a los costureros que trabajaban y vivían allí en habitaciones de extrema precariedad. Los costureros declararon que solo podían salir los días domingos, y que la jornada laboral iba de 7 de la mañana a 21 hs. ¿Paz en la Tierra?

Foto: BAFWEEK



2) Si hubo una prenda estrella en esta edición de BAFWEEK, esa fue el tapado largo de paño rojo para hombre. Tanto Li Torres como Bolivia lo incluyeron en sus colecciones de otoño/invierno 2014. ¿Se animará el hombre argentino al rojo carmín? Espero que sí.

Tapado de la izquierda: la propuesta de Bolivia. Tapado de la derecha: la propuesta de Li Torres.



3) El número 27 también se repitió. La colección de Kostüme - marca formada por la dupla Emiliano Blanco y Camila Milessi - presentó su nueva propuesta bajo el número 27. "Nos inspiramos en Yves Saint Laurent como ícono porque rompió con el paradigma de la mujer tan femenina. Esta idea se nos disparó mientras veíamos una película Nouvelle Vague. Después resemantizamos todo, nosotros no tomamos ninguna inspiración literalmente. Nuestras colecciones están numeradas y cada numeración tiene un logo y el logo de 27AW14 está inspirado en el logo de YSL. Eso es lo único que es más literal", me explicó en una charla Emiliano Blanco.

Por otra parte, la colección invernal de Andrea Urquizu también se tituló 27. En este caso, la joven diseñadora - que hizo su debut en BAFWEEK en 2013 y ya este año fue imposible conseguir un lugar en su desfile - se inspiró en el Club de los 27, esos rockeros que murieron trágicamente a esa temprana edad como Jimi Hendrix, Kurt Cobain, Janis Joplin, Amy Winehouse, Brian Jones. "La impronta de la marca está íntimamente relacionada con el rock. Antes de comenzar a idear la colección, miro muchos videos, documentales, fotos. Es la parte más divertida del proceso, la que más me gusta. Después tengo que ver qué hago con todo esto", explica.

Kostüme presentó #27AW14
Foto: BAFWEEK


Andrea Urquizu presentó 27, una colección inspirada en los rockeros que murieron a esa edad-
Foto: BAFWEEK





4) Dos marcas - una bien comercial y otra de diseño de autor - celebraron en pasarela sus diez años en el mercado local, algo digno de destacar. Se trata de Cora Groppo y Ay Not Dead. Groppo presentó una colección que revisa sus raíces y estilo, y reeditó sus prendas preferidas a modo de homenaje. Por su parte, Ay Not Dead presentó en Paseo Alcorta su colección Since 2003 que celebra su primera década. Al igual que Groppo, la marca de Noel Romero retomó las raíces que dictan el ADN de la marca: el rock, el arte y la literatura. Felicitaciones a ambos por haber logrado permanecer en un mercado tan difícil. Chin chin.


Cora Groppo celebró sus diez años en el mercado local.
Foto: BAFWEEK


Ay Not Dead también festejó sus diez años en la moda. 
Foto: BAFWEEK




viernes, 28 de febrero de 2014

Mis elegidos de los stands de Bafweek

Ni bien uno entra al pabellón amarillo de La Rural, es evidente que los stands en Bafweek cada vez son menos. Es fácil llegar a esta conclusión por el espacio vacío que queda entre ellos. Es una pena, porque Bafweek funciona como una gran vidriera para que la prensa y posibles futuros clientes conozcan distintas marcas nuevas en un mismo lugar. 

Supongo que una de las razones debe ser el elevado precio que deben pagar las marcas para poder estar allí, o también puede ser que no les sea redituable. Pocas veces vi clientes comprar; más bien, miran, preguntan y se van. 

Como sea, me propuse dar una vuelta y seleccionar lo mejor dentro de lo - poco - que había. No tuve en cuenta precios - en la mayoría de los casos me parecieron extremadamente altos -, sino diseño, funcionalidad y calidad. 

Así fue que estuve un largo rato en el showroom de Indybuy, una plataforma web que sólo vende diseños de marcas nacionales emergentes, y también me perdí en el tiempo mirando los libros más hermosos en La Paragráfica. Tuve una marcada preferencia por aquellos que trataban sobre diseño y estética orientales. Mi preferido fue uno sobre la historia del kimono desde sus comienzos hasta hoy.  


Los libros de La Paragráfica, una librería que se especializa en diseño gráfico, diseño de indumentaria y arte en general.


Los diseños de Mila Kartei, marca que llevan adelante dos amigas - Valentina Kaurnobi y Guadalupe Teigeiro - desde 2012. El vestido (3500 pesos) tiene el corte que más beneficia a mi cuerpo (cintura marcada y falda amplia) y la novedad era su textura: es de neoprene. Estas prendas se consiguen en la tienda virtual Indybuy. 


Sigo en el stand de Indybuy y me enamoro de unas botinetas (1800 pesos aproximadamente) combinadas de charol negro y cuero rosa, una mezcla que me resulta elegante y femenina a la vez. Son de Quiero June y se consiguen en Indybuy, al igual que las chatas de animal print y cuero metalizado de Unter. 


El tapado negro me llamó la atención por los detalles de volados en las mangas. Me gustó la atemporalidad y lo entallado que se veía. Un diseño femenino que nunca pasa de moda. Es de Cocoliche y también se consigue en Indybuy. Su precio rondaba los 1800. La silla es de Manifesto y su nombre es Miss Lili. Los anillos son de Inés Bonadeo y se venden en Indybuy. 


Collar de carey de Positivo Design. Su precio es de 300 pesos. 







  

sábado, 15 de febrero de 2014

Au revoir

Me voy de vacaciones.
Espero traer ideas nuevas para compartir con ustedes.

¡Nos leemos a la vuelta!


martes, 11 de febrero de 2014

El tatuaje como un accesorio eterno

En algún momento la idea de tatuarme me atrajo. Habrá sido dos años atrás, recuerdo que la urgencia era tatuarme algo, no supe nunca bien qué. Supongo que en su momento fui víctima de una tendencia que se estaba instalando. Por suerte - y porque me aterra lo eterno, lo imborrable, lo inalterable -, nunca sacié mi capricho. Porque eso era, un antojo. Pero los antojos son pasajeros.

Hoy veo muchas chicas con los mismos tatuajes en las mismas partes del cuerpo: muñecas, cuello, antebrazos. Frases en una lengua extranjera que probablemente no manejan, símbolos que quizá no representan nada especial en sus vidas o dibujos que simplemente 'se ven bien', son moneda corriente en la actualidad. En un intento por diferenciarse del resto para expresar externamente la unicidad de su existencia, se han convertido en clones.

La práctica de adornarse el cuerpo con tatuajes no es nueva. Para ejemplificar esta afirmación basta con referirnos a la momia Otzi, cuyo cuerpo perfectamente conservado, fechado en 3300 a.C., se descubrió en 1991 y tenía más de 50 tatuajes. En casi todas las culturas hay un acercamiento al tatuaje de alguna manera. Sigmund Freud dijo que los tatuajes son proyecciones en la superficie que expresan mensajes variados, referidos a contenidos sociales, políticos, religiosos o bélicos. También pueden marcar la transformación de un cuerpo infantil a uno adolescente.

Pero, ¿qué pasa cuando por seguir una tendencia se marca el cuerpo para siempre? El rasgo que caracteriza a la moda es lo efímero, lo fugaz, lo transitorio. La industria no funcionaría tan aceitadamente si las tendencias no se renovaran cada seis meses. El cambio se impone para tener éxito. Contrariamente, el tatuaje es inalterable, perpetuo. Entonces, a primera vista me resulta absurdo que algo eterno esté de moda. Y más aún, que alguien decida libremente marcarse el cuerpo para siempre por seguir una moda.

Quizás mi punto de vista sea muy tajante porque no concibo la idea de tener algo permanente en el cuerpo por elección propia. Lo que me atrae de la moda es la opción de cambio que ofrece, la posibilidad de explorar distintos mundos con sólo probar prendas nuevas. Me aterra pensar en tener 70 años y verme la misma marca en el mismo lugar de mi cuerpo.

Este es un espacio de debate en el que los invito a que compartamos distintos puntos de vista. Me interesa mucho saber qué opinan sobre el tema. ¿Tienen tatuajes? ¿Significan algo muy importante en sus vidas? ¿Piensan en el futuro y cómo será ser viejita/o y tener un tatuaje? ¿Se arrepintieron? ¿Creen que siempre les gustarán los tatuajes que se hicieron? ¿Repetirían la experiencia?


Cinco mujeres diferentes, el mismo tatuaje.

















miércoles, 5 de febrero de 2014

María Cher copia a otras marcas, ¿y ahora?

Hace cuatro días, el sitio ElMeme publicó una nota escrita por la autora del blog Que en el placard descanses, moda que demostraba cómo la colección invierno 2014 de la marca nacional María Cher estaba inspirada de forma literal en otras internacionales como Céline, Isabel Marant o Stella McCartney. Dejé pasar unos días para ver si mis ideas se acomodaban y así podía llegar a una opinión personal, pero aún hoy me cuesta discernir mi posición.

Por empezar, quisiera saber cuál fue el propósito de hacer esto visible. ¿Desenmascarar a una diseñadora que sufre un síndrome de plagio severo? ¿Darle información a la clienta? ¿Indignar a los puristas de la moda? ¿Demostrar que nada ha cambiado? Sostener una marca de ropa a lo largo del tiempo es un trabajo que requiere de inversión y buenas decisiones comerciales y de marketing. A María Cher se la reconoce como una empresa exitosa, ya que tiene varias tiendas en todo el país, incluso en Asunción (Paraguay) y hace más de una década que se mantiene en pie. 

Si la marca funciona es porque detrás hay una clienta que se identifica con lo que Cher ofrece. A simple vista, es una clienta que consume las prendas de tendencia y no busca diferenciarse del resto con un estilo único, sino que se siente cómoda vistiendo 'lo que se usa'. Tal como sucede con los grandes medios de comunicación que día a día marcan la agenda de otros medios, ciertas marcas tienen más peso que otras y son ellas las que muestran el camino a seguir. Después está en uno seguir ese camino o tratar de marcar una agenda propia. Cher claramente respeta la agenda que marcan las otras marcas de una manera bastante literal. 

Bien conocido es el refrán que afirma que el saber es poder. La tarea de los comunicadores es mostrar aquello que está oculto, por más que para algunos sea evidente. De esta tarea se encargó la autora del blog Que en paz descanse, moda (@QEPDmoda) y vaya si ha causado lío. Periodistas, bloggers y opinadores descargaron su furia en Twitter. Y ahora, ¿qué hacemos? Nada, no somos jueces ni tampoco creo que a María Cher le importe lo que pensamos. Quienes sí tienen el poder son las clientas. Aquellas que se guían por el 'me encanta este tapado', seguirán fiel a la marca porque no necesitan saber de dónde vino. Pero supongo que habrá otras que se sentirán engañadas. Y eso sí creo que le preocupará a María Cherñajovsky.


Fotos de @QEPDmoda

Tapado de Céline


Tapado de María Cher Invierno 2014


Conjunto Céline


Conjunto María Cher


Para ver más fotos, dirigite a la nota de ElMeme. 








lunes, 3 de febrero de 2014

Dieciséis diseñadores argentinos expondrán en London Fashion Week

Siempre es un orgullo que argentinos talentosos sean conocidos mundialmente. Puede que dentro de nuestras fronteras discutamos fervientemente sobre política o religión, que nos señalemos y hasta nos insultemos, pero cuando uno de nosotros viaja al exterior para hacer conocer su trabajo, se nos hincha el pecho, nos sentimos suertudos de ser argentinos. Es un fenómeno extraño, pero pasa.

Algo parecido sentí cuando me enteré que dieciséis diseñadores emergentes y nacionales irían nuevamente a London Fashion Week a presentar su trabajo en la exhibición Land of diversity, Time of contrasts en el International Fashion Showcase. La cita es en Londres, del 13 al 19 de Febrero de 2014.

Los diseñadores que participarán en representación de la Argentina son: Bossini Pithod, Gonzalo Villamax, Kalu Gryb, Li Torres, Luz Ballestero, Paula Ledesma Knitwear, Nev, Quier, Lucas Sánchez, Mafe, Chicco Ruiz, Mariana Landivar, Chulo Carteras, Las Pablo, Ene Joyas, y Lorena Sosa. Recomiendo las entrevistas que Celeste Nasimbera ha venido haciendo con cada uno de ellos para la revista 90+10.

Para saber más sobre este viaje, me contacté con Laureano Mon, Integrante del Observatorio de Tendencias INTI, quien siguió bien de cerca el proceso y los criterios de selección de los diseñadores. Esta fue nuestra charla.

¿Qué aspectos se tuvieron en cuenta a la hora de elegir a los diseñadores?

De acuerdo a las condiciones establecidas por el British Council y el British Fashion Council para la participación en el International Fashion Showcase, y teniendo en cuenta que ¨el tema central del IFS es talento emergente¨ por lo que ¨los participantes tienen que estar en sus primeros 4 años en la industria¨ así como cumplir con criterios de ¨innovación y calidad¨ en sus propuestas de diseño; el comité curador (conformado por el Observatorio de Tendencias INTI y el secto Diseño del MICA, Secretaria de Cultura de la Nación) seleccionó los dieciséis diseñadores, previa convocatoria pública realizada por la Cancillería Argentina y Fundación Exportar. Asimismo, ha sido considerada la temática de la muestra –la reinterpretación de materiales naturales locales- para definir a los seleccionados.

¿De qué manera ayuda comercialmente que los diseñadores viajen a Londres? ¿Hay posibilidades de cerrar negocios o es sólo para que los conozcan? 

El equipo de la Embajada de Argentina en el Reino Unido está armando una agenda con rondas de negocios con buyers y con prensa especializada que estarán presentes durante la London Fashion Week. En este sentido, la participación de los diseñadores en el International Fashion Showcase es, ante todo, una misión comercial para que las empresas entren en nuevos mercados utilizando como plataforma Londres que, según mi opinión, es la gran vidriera del diseño mundial.

¿Cómo ves posicionado en el mundo al diseño argentino? 

Creo que tras varios años de acciones en el exterior, el diseño argentino está siendo reconocido por su innovación y diversidad. En América Latina somos claros referentes, pero debemos reforzar la presencia del diseño en Londres, París y Tokio. Esas son las capitales donde hay que apuntar porque son receptivas al diseño de autor de nuestro país y consumen piezas con valor agregado. Definitivamente la presencia en Londres es estratégica, por eso es la segunda vez consecutiva que diseñadores argentinos participan del International Fashion Showcase - London Fashion Week y se están proyectando más acciones con la Embajada de Argentina en Londres para los próximos años.

Fotos: Ani Sirabonian para Elephanto Studio 







Luz Ballestero


Paula Ledesma Knitwear


Quier

Li Torres



Bossini Pithod